Tue. Jun 21st, 2022

Le grand tableau d’Henri Matisse « L’Atelier rouge » (1911) est une icône si familière de l’art moderne que l’on peut se demander ce qu’il reste à en dire, voire à remarquer. Beaucoup, comme le prouve un écrin d’une exposition au Musée d’Art Moderne. L’exposition entoure le rendu éponyme de l’atelier de l’artiste avec la plupart de ses onze œuvres antérieures qui, en copie à main levée, parsèment le fond uniforme de la peinture d’un puissant rouge vénitien. (Certaines des pièces originales sont prêtées par des institutions d’Europe et d’Amérique du Nord.) En outre, il existe des peintures, des dessins et des gravures ultérieurs connexes, ainsi qu’un abondant matériel documentaire. L’ensemble, monté avec éloquence par les commissaires Ann Temkin, de MOMAet Dorthe Aagesen, de la Galerie nationale du Danemark, plongent le spectateur dans les merveilles d’une révolution artistique qui résonne encore aujourd’hui.

Magnifique? Oh ouais. Le bonheur esthétique sature – radicalement, à un degré toujours susceptible de surprendre lorsque vous vous arrêtez pour y réfléchir – les moyens, les fins et l’âme même d’un style qui était si en avance sur son temps que sa pleine influence a mis des décennies à se manifester. Il l’a fait de manière décisive dans les peintures de Mark Rothko et d’autres expressionnistes abstraits américains dans les années qui ont suivi. MOMAl’acquisition au milieu du siècle de “The Red Studio”, qui avait, jusque-là, langui dans l’obscurité. Les œuvres citées visuellement dans l’œuvre – sept peintures, trois sculptures et une assiette en céramique décorée – cohabitent avec des éléments de mobilier et de nature morte. Les contours ont tendance à être sommairement indiqués par de fines lignes jaunes. Une partie d’une fenêtre bleu pâle s’impose. Mais rien ne perturbe l’harmonie essentielle de la composition, les détails frappent l’œil d’un coup, avec un fracas concerté.

Il n’y a aucune possibilité d’entrer dans l’espace du coin caricaturé, même par l’imagination. Seuls certains contrastes subtils de teintes chaudes et froides, poussant et tirant le regard du spectateur, suggèrent quelque chose comme une profondeur picturale. Pas pour Matisse la rétention de formes visuellement avancées et reculées, comme dans le cubisme contemporain de son ennemi imposant Picasso. (Qui gagne leur agon à vie? La question est sans objet. Ils sont comme des champions de boxe qui ne peuvent pas se taguer parce qu’ils sont dans des rings séparés.) dans un paysage herbeux – l’un des tableaux de “The Red Studio” dont l’original est à portée de main pour le spectacle – se lit démocratiquement. Des coups rapides se bousculent dans un seul plan optique, bien que froissé. Voyez si ce n’est pas le cas, alors que votre regard passe en douceur sur des contours noirs parmi la verdure, l’eau et le ciel bleus et la chair orangée.

En 1907, lorsque Picasso peint sa pierre de touche insurrectionnelle « Les Demoiselles d’Avignon », l’Espagnol commente avec acerbe la toile révolutionnaire de Matisse de la même année, « Nu bleu (Souvenir de Biskra) » : « S’il veut faire une femme, qu’il lui faire une femme. S’il veut faire un dessin, qu’il fasse un dessin. En vérité, Matisse a fait les deux à la fois, intégrant les deux fonctions primordiales de la peinture : l’illustration et la décoration. « Blue Nude » est absent de « The Red Studio » et de la présente exposition, mais son esprit persiste dans les trois sculptures présentées, qui prolongent, en ronde-bosse, la touche picturale de la figuration picturale plate de Matisse. Ils égalent presque, pour moi, les exploits du XXe siècle en trois dimensions de Brancusi et Giacometti.

La création de “The Red Studio” est venue d’une commande décorative du magnat du textile moscovite Sergei Ivanovich Shchukin, un collectionneur prééminent d’innovations européennes, de l’impressionniste au post-impressionniste à certaines sur lesquelles la peinture était à peine sèche. Ses possessions, qui ont été saisies par les bolcheviks en 1918, sont maintenant les gloires du Musée de l’Ermitage, à Saint-Pétersbourg. Saint-Pétersbourg et le Musée national des beaux-arts Pouchkine à Moscou. Ils incluent un étourdissement absolu de Matisse, “The Conversation” (1908-12), que j’ai rencontré à l’Ermitage en 1989. Un air ironique de comédie domestique infléchit la vue dominante, bleue intense et ravissante de la fenêtre florale de l’œuvre. L’artiste, l’air doux et debout en pyjama, confronte sa femme assise, la redoutable Amélie, à qui je ne peux m’empêcher d’imaginer lui dire de prendre son propre petit-déjeuner. (Matisse n’est presque jamais plein d’esprit, mais une sorte d’humour spectral, évoquant l’audace pure, traverse à peu près tout de sa main.) Cette image n’est pas non plus dans le spectacle actuel, mais elle est tatouée dans ma mémoire.

Le patronage somptueux de Shchukin envers Matisse, qui a commencé en 1906, a soulagé l’artiste et sa famille d’années de pénurie. Il a permis un déménagement dans une maison confortable à Issy-les-Moulineaux, à six kilomètres de Paris, et la construction là-bas, en 1909, du spacieux atelier qui est devenu le site et souvent le sujet de presque toutes les œuvres de Matisse jusqu’à ce qu’il décampe à Nice. , en 1917. En janvier 1911, le collectionneur demanda un trio de tableaux de même taille, chacun d’environ six pieds sur sept, laissant leur sujet à Matisse. Shchukin a acquis le premier, le «Pink Studio», relativement calme, mais, après avoir reçu une copie à l’aquarelle de ce que Matisse a intitulé «Red Panel», il a poliment décliné le dessin.

Shchukin a expliqué qu’il préférait les images avec des personnes, ignorant la présence de nombreuses figures dans la citation visuelle d’œuvres précédentes, comme le très attrayant “Young Sailor II” (1906), dont l’original est prêté pour le spectacle de le Metropolitan Museum, et le violemment audacieux «Nude with White Scarf» (1909), fourni par la National Gallery of Denmark. Ou même le Russe indulgent et insouciant, bien qu’ayant trop de tact pour le dire, a-t-il rechigné devant l’énergie en fusion de l’image ? Matisse est resté singulièrement controversé dans les cercles artistiques à cette époque, alors même que le dessin surnaturel de Picasso en désarmait beaucoup.

Toujours appelée “Red Panel”, l’œuvre est apparue en 1912 à la Second Post-Impressionist Exhibition, à Londres, et l’année suivante à l’Armory Show, à New York et à Chicago, mais ni elle ni rien d’autre de Matisse n’a été vendue. (Dans un Fois entretien avec l’artiste en France, en mars 1913, la critique Clara T. MacChesney se hérisse d’une résistance condescendante face aux commentaires gracieux de Matisse, qui s’efforce de faire comprendre qu’il est un père de famille “normal” plutôt que le négligé sainte terreur qu’elle avait anticipée.) Le tableau est ensuite resté en possession de l’artiste et hors de la vue du public jusqu’à ce qu’il soit acheté, en 1927, comme bibelot chic pour un club social chic réservé aux membres à Londres. Après une période de propriété privée, il a été acheté, avec enthousiasme, par MOMAen 1949, juste à temps pour sa pertinence charismatique pour les artistes de New York et finalement du monde entier.

À mon avis, il y a trois échecs différemment instructifs parmi les œuvres de la présente exposition. “Le Luxe II” (1907-08) représente trois nus monumentaux en bord de mer, étrangement rendus à la détrempe (colle de peau de lapin) plutôt qu’à l’huile sensuelle, à un effet sèchement statique. Mais cela valait clairement la peine d’essayer pour Matisse et prend sa place dans “The Red Studio”. La nostalgie l’a peut-être motivé à incorporer un petit tacot, “La Corse, le vieux moulin”, peint en 1898, alors qu’il avait vingt-huit ans, fraîchement sorti de l’école d’art et nouvellement marié. Son motif conventionnel affiche un mélange irrésolu de techniques postimpressionnistes et fauvistes naissantes – une bombe à retardement, comme il se révélerait.

Il m’a fallu un certain temps pour me calmer sur l’impressionnant “Large Red Interior” (1948), qui clôt le spectacle en guise de serre-livre pour “The Red Studio”. Salué de manière extravagante à l’époque par le critique formaliste Clement Greenberg, il est magistral, certes, avec des représentations virtuoses d’images précédentes et de nombreuses fleurs dans des vases. Mais je trouve que l’œuvre est viciée par une qualité – le bon goût – que Matisse a parfois risquée mais qu’il a évité de manière fiable pendant la majeure partie de sa carrière. Il se sent involontaire— sans passion, strictement professionnel. Peu de temps après sa mort, il remit ce travail, Matisse, toujours conscient de lui-même dans ses pinceaux, prit une paire de ciseaux et commença les improvisations sensationnelles en papier de couleur découpé qui l’absorbaient, en 1954, il trouva le chemin d’un impératif intérieur qui, avec une nonchalance typique, a précipité des conséquences extérieures immortelles. ♦

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